domingo, 4 de octubre de 2020

DIBUJO TECNICO

 

CONTEXTO TÉCNICO Y ARTÍSTICO

El área de influencia en la vida humana del diseño gráfico es en lo que la gente ve; en la arquitectura es donde la gente vive y en el diseño industrial, en lo que las personas utilizan. De este modo, en el diseño, el área de acción se ubica en hacer y manipular imágenes, para con ellas emitir un mensaje claro y entendible que no deje lugar a dudas sobre lo que queremos decir.

Como diseñadores debemos tener todas las herramientas para cumplir nuestros objetivos, una de éstas es el dibujo, con él podemos hacer visibles las imágenes que tenemos en nuestra imaginación o guardadas en nuestra memoria, nos acompaña en la esquematización de conceptos dictados por nuestra razón.

El dibujo como el diseño tiene varias vertientes y cada una de estas sirve para las áreas referidas, y se pone énfasis en el dibujo como medio para utilizar los elementos y los conceptos básicos del diseño.

Los elementos básicos son punto, línea, plano (figuras básicas) y color, mas las herramientas que vas a utilizar con dibujos hechos a mano alzada y con herramientas de dibujo técnico.

Espero que con esto puedas realizar todos los trabajos que aquí se te piden. Los conceptos básicos que se tocan como la composición y proporciones, el dibujo del cuerpo humano, que entra dentro del ámbito del dibujo anatómico. El objetivo que se busca es que esto sirva de apoyo constante para que te conviertas en un exitoso creador de imágenes y artista diseñador.

Cabe destacar que se ha incluido un conocimiento extra artísticamente donde se expone un método valioso que permite utilizar la herramienta del dibujo de imitación, una técnica que enriquecerá tu actividad como estudiante de diseño, así como tu desarrollo profesional.



ARTE FINAL

 


Qué es el arte final y cuál es su importancia

Aunque su importancia es crucial para el resultado final, no son pocos los diseñadores que todavía no dominan el arte final.

La diferencia entre un trabajo y un trabajo brillante está, en numerosas ocasiones, en la capacidad del diseñador para preparar el arte final que ayudará a la imprenta a mostrar su trabajo de la manera exacta en la que el diseñador la imaginaba.

La preparación de artes finales es todo un arte que requiere conocimientos específicos para que todo salga a la perfección y aunque no todos los diseñadores lo dominan, ante la poca importancia, experiencia y desconocimiento estamos para ponerle solución, vamo a darle.

En el Arte final la preparación de archivos es la madre de todas las claves para dominar la impresión para que, a la hora de la verdad, no nos llevemos sorpresas de ningún tipo.

El repaso desde las bases del concepto de arte final y  ejemplos prácticos, cómo: preparación de trabajos, parámetros y características, explicación de conceptos esenciales como la diferencia entre diseños en RGB y CMYK, también ciertos conceptos menos conocidos por todos como por qué deberías preferir los diferentes tipos de impresión según las características de tu proyecto: offset digital, offset convencional y plotter.

Las pruebas de impresión son esenciales en imprenta, pero es necesario saber interpretarlas para poder hacer las correcciones necesarias. Este es otro de los aspectos que del trabajo de impresión con cuatricromía y con tintas especiales, así como todas las especificaciones que debes tener en cuenta a la hora de enviar tu trabajo a imprimir.


ETAPAS DE LA CERÁMICA EN ECUADOR

 


La primera etapa de la historia del Ecuador se remonta hasta las sociedades aborígenes, hace aproximadamente 15.000 a 20.000 años a.C.

Aquellos pueblos tuvieron su propia organización social, con creencias, ritos y ceremonias propias, y una economía basada principalmente en la recolección y la agricultura. Vestigios de su existencia se pueden encontrar en distintas partes del país, principalmente en los centros ceremoniales y espacios arqueológicos descubiertos.

Su existencia se prolongó hasta el siglo XVI, cuando llegaron los conquistadores españoles. Científicos y estudiosos dividieron aquella etapa en cuatro períodos: Paleo indio o Pre cerámico, Formativo, Desarrollo Regional, Integración e Incaico.

El Paleo indio o periodo pre cerámico proviene de la acuñación norteamericana, la cual traducimos literalmente como "antiguo indio". EL calificativo "pre cerámico" se entiende claramente como la clasificación de la población humana que aun no conocía la fabricación de los recipientes hechos de arcilla cocida.

De esta etapa aún no se conocen vestigios del poblamiento del territorio ecuatoriano, ninguna muestra artística ha sido reportada de esta época. No obstante la necesidad de expresiones estéticas ha sido evidenciada ampliamente en grupos de cazadores recolectores de todos los continentes, desde hace por lo menos treinta mil años. La cacería, la pesca, la recolección de frutos silvestres se complementan con una agricultura incipiente para dar sustento a pequeños grupos familiares que viven dispersos sobre un amplio territorio luego de esto tenemos el periodo Formativo, en la cual tenemos diferentes culturas que empiezan a dar señales que perduran hasta ahora, entre ellas están:

Valdivia. (3500 - 2000 a.C.).-La fase cerámica Valdivia marca el inicio del Período Formativo en la arqueología del Ecuador. Investigaciones realizadas en los últimos veinte años dan información sobre los pueblos asentados en el litoral ecuatoriano hacia 3.500 a. C., que ocupaban los territorios del las actuales provincias de Manabí, Guayas y Los Ríos.

Machalilla. (2000 - 1000 a. C.).- La fase Machalilla fue contemporánea a las últimas manifestaciones de Valdivia. Botellas con asas de estribo y recipientes efigie, decorados con diseños geométricos en pintura roja, son algunas de las innovaciones que se difunden en todo el continente americano. Ocupaciones de la fase Machalilla han sido estudiadas en Guayas, Manabí y Esmeraldas.

Chorrera. (1800 - 300 a. C.).- En la fase Chorrera el desarrollo de la técnica cerámica llega a su punto culminante. Los ceramistas esculpen personajes arquetípicos salidos de la naturaleza que encarnan las fuerzas cósmicas reguladoras del mundo. Abundan representaciones de la naturaleza que se transforman en recipientes efigie dotados a menudo de una caja de resonancia capaz de producir un sonoro silbato. La maestría en el dominio de la técnica y en el manejo de la forma hacen de la cerámica Chorrera la primera gran tradición artística de la arqueología ecuatoriana. Ocupaciones de la fase Chorrera han sido encontradas en las provincias costeras de Esmeraldas, Manabí, Guayas y Los Ríos.

En lo que fue el Desarrollo Regional, al igual que en el periodo formativo, tenemos tres culturas que fueron de las más importantes del Ecuador, entre las cuales se mencionan:

Bahía. (500 a.C. - 500 d. C.).-La fase Bahía se caracteriza por la fuerza con que expresa sus símbolos. La presencia de seres fantásticos - mitad hombre, mitad felino - el uso de colores vivos como el verde, el amarillo, el rojo el blanco y el negro y el empleo del relieve en el arte escultórico reflejan el deseo de cautivar al espectador colmando sus sentidos con mensajes sensoriales dotados de un poderío incontenible.

Guangala. (500 a.C. - 500 d.C..).- Evidencias de la fase Guangala se encuentran desde el sur de la provincia de Manabí hasta el norte del Golfo de Guayaquil. Guangala comparte muchos rasgos con Bahía, pero desarrolla elementos como la decoración polícroma y pulida en paneles; el uso frecuente del tiznado y la decoración geométrica hecha a base de líneas bruñidas o de incisión que le dan su personalidad propia. Siguiendo la tradición costera de la época, estas figurillas tienen una caja de resonancia en la parte interior del pecho produciendo un silbido al ser sopladas por la parte superior de la cabeza.

Jama-Coaque. (500 a. C. - 1534 d. C..).- Ha sido identificada en el norte de Manabí, entre Bahía de caráquez y el cabo de San Francisco. El arte cerámico de Jama-Coaque sigue las pautas de la tradición Chorrera, pero pronto desarrolla su individualidad con rasgos como el uso profuso del molde; un cierto barroquismo en la decoración plástica y pictórica, y una iconografía antropomorfa marcadamente elitista.

La Tolita. (600 a.C. - 400 d.C..).- La fase La Tolita ocupa el litoral norte de la provincia de Esmeraldas, así como la parte suroeste de la costa colombiana. Estudios recientes realizados en le centro ceremonial, ubicado en el sitio epónimo, han establecido cuatro etapas en el desarrollo sociocultural de esta fase. La escultura en hueso tuvo en la Tolita su manifestación culminante, a menudo las tallas tienen incrustaciones de piedras de colores, concha e inclusive oro. La tecnología empleada para manipular metales incluyó el laminado por martilleo, el recortado el repujado, la fundición, la soldadura, la aleación el dorado y el plateado.

Y por último en el período de Integración se encuentra la cultura:

Manteño. (700 / 1534 d.C.).- Ha sido estudiada a lo largo de todo el litoral, desde el sur de la provincia de Esmeraldas hasta el norte de la provincia de El Oro. La cerámica sigue siendo la evidencia más abundante, la alfarería manteña es el cúmulo de las tradiciones de la costa norte, los rasgos dominantes de la alfarería manteña son sus innovaciones. El tiznado y el pulido dan al conjunto cerámico un color negro brillante característico.. La mayor novedad artística se da en la escultura lapidaria.

La Sierra.-Trabajos efectuados en la sierra central sugieren que en esta época las relaciones con los pueblos de la vertiente oriental de los Andes eran más significativos que con la costa pacífica. A mediados de siglo, Jacinto Jijón identificó un gran horizonte, el mismo investigador reconoció algunas tradiciones regionales que aparecen en las distintas hoyas interandinas, y que se prolongan en el tiempo con ligeras variaciones: Panzaleo, Capulí, Cuasmal, Puruhá y Cañari.

Como podemos ver, lo mostrado anteriormente es como las culturas en el Ecuador, tuvieron que pasar de fase en fase hasta que fueron conquistadas por los Incas, y posteriormente por los españoles.




domingo, 13 de septiembre de 2020

ARTE FINAL / TIPOGRAFIA





En términos netamente gráficos, la tipografía hoy es considerada un elemento tan importante como las imágenes mismas. Su preponderancia es tal que un cambio en el tipo de fuente podría significar dar otro contexto y personalidad al mensaje que queremos presentar, sea cual sea el medio. Por tanto, la exigencia de encontrar el tipo de letra que mejor nos represente es esencial, especialmente en un mundo donde las señales y las primeras impresiones lo son todo. El éxito de las tipografías de las marcas y medios más importantes del mundo, confirman su relevancia. ¿Qué haríamos sin las letras?
Los diseñadores gráficos no solamente se concentran en los colores, las texturas, la composición y un sinfín de elementos para crear un impacto en el receptor del mensaje, sino también en el tipo de letra que emplearán porque entienden que sin ellas, la propuesta gráfica quedaría incompleta. Todos los más grandes ejemplos de tipografía en logotipos y materiales impresos han brillado por combinar el aspecto visual con la armonía de una tipografía clara, identificable, universal e iconográfica. Un claro ejemplo de esto es Facebook, cuyo logotipo tipográfico ha apoyado el posicionamiento de la marca a tal grado que la mayor parte del mundo reconoce a esta red social con sólo ver la “f”.  Otro claro ejemplo es SONY, que con una tipografía muy seria pero a la vez dinámica, nos da ese énfasis en la confianza y versatilidad de sus productos.
  
La tipografía también es la deconstrucción, reconstrucción y posterior expresión del mundo gráfico, de sus sensaciones y experiencias a través de caracteres y símbolos que son plasmados y expuestos en forma de una comunicación escrita caracterizada por su alta carga sensorial. Dicha comunicación escrita (y visual) busca llegar a los ojos de una o varias personas con personalidad y contundencia para hacerse un lugar entre sus preferencias, o para tener algo que decir. Revise el estilo tipográfico de las revistas y diarios más importantes del país, y verá que todos sin excepción tienen un estilo definido que llevan trabajando durante años. Todos encontraron su estilo tipográfico, y se dedican a aprovecharlo y explotarlo.






DIBUJO TECNICO


Dibujo creativo es aquel que se hace sin obedecer a parámetros técnicos, es decir que responde a la creatividad del artista. Este puede usar patrones de la técnica del dibujo o del dibujo técnico pero no se rige por estos para su composición porque mientras sea en una intención creativa, se puede modificar la realidad en aras de la creatividad.
Hay tres tipos clásicos de dibujo creativo: dibujo de línea, dibujo gestual y el dibujo de modelado.
El dibujo gestual es lo contrario al dibujo lineal, donde se busca la línea única y precisa, después de una observación detallada del modelo.
Sin embargo, el objetivo del dibujo gestual no es plasmar la forma geométrica del modelo sino su movimiento. Lo que se pretende es captar este movimiento, es decir, el ritmo o el gesto, con la máxima rapidez posible.
Por lo que un dibujo gestual es una expresión de la primera reacción del artista ante el tema.
Al contrario que el dibujo lineal que es muy analítico, en el dibujo gestual se busca la sencillez, con la que se gana soltura en el dibujo.

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CERAMICA / TECNICAS DE ACABADO EN CRUDO


miércoles, 9 de septiembre de 2020

APRECICION ARTÍSTICA: FUENTES DE INFORMACION DEL ARTE

METODO DE INVESTIGACION ARTISTICA


Como hipótesis de partida se considera que las fuentes de información en Internet son un elemento decisivo para la interpretación del arte en general. Además, contribuyen mediante su análisis a una mejor definición del objeto de estudio. Sin embargo, no toda la
información está presente en la red y no toda es de contenido cientifico. 

Observa estos enlaces para profundizar tu conocimiento sobre fuentes de información del arte:




 

HISTORIA: ORIGEN Y EXPANSION DEL CRISTANISMO

El cristianismo es una de las religiones más influyentes y extendidas en el mundo, con una historia que se remonta a más de 2000 años. Surgi...